Locke

Realizador: Steven Knight
Argumento: Steven Knight
Actores: Tom Hardy

Um Homem, um BMW, um Telemóvel e uma luta pessoal. Estas peças montam um dos filmes mais interessantes dos últimos tempos. Um exercício de introspecção, uma cadeia de decisões, um enorme carácter e convicção sem limites.

Um Homem é confrontado com uma decisão muito difícil, apercebemo-nos que é uma pessoa respeitada, que é uma pessoa eficaz em tudo o que faz. O seu passado leva-o a decidir-se por um caminho que sente ser o correcto, aquele que devia ter sido trilhado em tempos por outra pessoa e que ele sente agora ser o seu dever. Um dever que coloca tudo em causa, uma decisão que pode mudar a sua vida por completo. Um exemplar profissional pode agora ficar sem emprego, um Pai de família dedicado pode agora ficar sem casa, mas o caminho tomado é o correcto, é o único que ele sente ser possível de decidir.

Tom Hardy confirma aqui a sua dimensão como actor. Um filme onde ele está sozinho o tempo todo com as suas amarguras, com a sua decisão, com a memória que o corta por dentro, com um auto-controle épico que nos transmite uma bomba-relógio constante, tudo com uma calma na voz que sai da boca para fora, no sentido de deixar para ele a tensão, numa forma de estar no mínimo muito altruísta.

Enorme papel dentro de um carro, ao telefone, a tratar da sua vida e dos seus compromissos. Todos eles com uma posição nobre, com uma decisão difícil mas só ao alcance dos grandes Homens. E sempre sem trânsito...essa barreira que parece ser a única que ele simplesmente não pode controlar, e que o deixa desconfortável tantas são as vezes que o menciona... Um Homem obcecado pelo controle absoluto dos seus passos, sem esquecer também os dos outros.

Tecnicamente é um filme complicado de se distinguir, o Realizador às tantas repetia os "truques" possíveis ao filmar-se um carro, as luzes à noite, a estrada, as imagens duplicadas pelos espelhos dos carros, bla bla bla... Não é filme de realizador, é filme de actor e de argumento, e aí não falha em nada.

Claustrofóbico, tenso, dá que pensar e tem um papel estrondoso pelo meio... Por mim é portanto imperdível.


Golpes Altos: Tom Hardy, Argumento, tensão e murro no estômago.

Golpes Baixos: A forma como é retratado o "diálogo" com o Pai. Não era fácil ser bem feito...

Stories We Tell

Realizador: Sarah Polley
Argumento: Sarah Polley
Actores: Michael Polley, John Buchan, Mark Polley, Sarah Polley

Todos temos histórias de vida, histórias da nossa família, amigos, namoradas, trabalho, férias, loucuras, tudo... Todos nos sentamos à mesa e contamos os nossos momentos, partilhamos fugas que fizemos e repetimos as mesmas histórias uns com os outros. 

Mas também temos zonas escuras, bocados de história menos claros ou menos charmosos, momentos que simplesmente não são partilháveis, momentos que por vezes escondemos e que só este ou aquele sabem. E se a nossa história saísse dessas mesas íntimas?

Este filme é literalmente o filme da vida da realizadora. A Sarah expôs-se com uma coragem gritante e que sem o apoio da família seria impossível. Sarah conta a história da sua família, colocando o epicentro na sua Mãe, mulher fascinante, sonhadora, criativa, daquelas que enche uma sala e desperta corações. Mãe essa que morreu ainda ela era nova e, com a ajuda dos familiares, decide recolher momentos que a Mãe viveu, que a Mãe deu a viver e que influenciaram como nunca a sua própria vida. 

Uma coisa é certa: nem todas as famílias têm histórias que davam um filme, mas outra também é certa: não é preciso uma história do outro mundo para se fazer um bom filme. 

Este é de facto um grande filme, uma das maiores surpresas que tive nos últimos tempos. 
Imaginem-se a ver um filme de uma mulher sobre a vida da sua Mãe, uma pessoa que não conhecemos de lado nenhum mas que pouco depois, percebemos que há ali tantos pontos comuns com este ou aquele momento da nossa própria história... É uma sensação estranha entre a introspecção e o voyeurismo. Algo que cruza o universo da partilha e da cusquice... 

Os personagens não existem... são pessoas como nós, com a mesma capacidade que temos para comunicar, para chorar, para lembrar e para reflectir sobre aqueles momentos que nos marcaram para sempre. Uma dinâmica adorável que culmina na tal partilha através de uma exposição enorme. 

Apaixonei-me pelo Michael, o narrador e "Pai" da Sarah... Incrível este Homem... A facilidade e nobreza com que assume as coisas, com que define o raciocínio, com que escolhe as palavras. Foi sem dúvida para mim a pessoa que "conheci" este ano que mais me fascinou :) 

Vejam este filme, mas vejam mesmo... é uma história como qualquer outra mas que podia ser a vossa... 


Golpes Altos: Tudo... este filme é de topo... Até a banda sonora é óptima! E o final? QUE BOM! 

Golpes Baixos: Quem encontrar que aponte... 


PS: só quando vim escrever isto é que descobri que a Sarah tinha realizado e escrito o Take This Waltz... E faz muito sentido. 

Haley Osmet -> "I still see dead people?"

Ainda dizem que não faz mal ter pesadelos...

Este gajo pegou no dinheiro que ganhou no 6º Sentido e comeu-o...

Retrospectivas – David Fincher

1992. Alien 3. Típico filme “ou adoras ou odeias”. Disruptivo, estranho, mentecapto, claustrofóbico.

Eu venero, considero-o uma pérola diferencial na sucessão a duas obras-primas mais “clássicas” da saga, mas conheço muito boa gente que o detesta (até o próprio é um crítico acérrimo). Mas uma coisa é inegável: não deixa ninguém indiferente. É marcante, indigesto até. E aos 30 anos não é uma má estreia na realização.

1995. Segunda longa-metragem, sai um dos melhores thrillers norte-americanos dos últimos 20 anos. Seven.

Pitt começa a mostrar-se noutro género – até aí os seus papéis relevantes tinham sidos em épicos romanceados como A River Runs Through It e Legends of the Fall –, Freeman confere seriedade e sobriedade ao projecto e Spacey rebenta todas as escalas e mais alguma com uma daquelas interpretações de época: curtas aparições, poucas falas e um impacto visceral. John Doe ecoa durante alguns meses na nossa memória e Fincher transporta-nos para o universo dum The Silence of the Lambs, obrigando muitos a tomar nota do seu nome.

1997. The Game. Fincher confirma a sua veia meio lunática num jogo surreal onde nada é o que parece.

Bom filme. Não é excelente, longe disso, mas é filmado de forma segura, bem dirigido – um Douglas competente e um Penn com excelentes momentos – e sustenta-se sempre numa tensão e num jogo de espelhos que nos agarra até final. Pena o desfecho, mas Fincher redimir-se-ia meses depois.

1999. À quarta película e poucos anos volvidos da estreia, eis Fight Club. O filme de culto que todos os criadores da nova geração querem fazer mas pouquíssimos conseguem. Um Rebel Without a Cause dos nossos dias.

Ninguém esperava algo assim. Fight Club é um exercício cénico brilhante, uma dissertação surrealista, uma descarga de violência e lunatismo ímpares. Nada faria prever que num ano com tão bons filmes como American Beauty, Magnolia, Being John Malkovich, Sweet and Lowdown, The Insider ou Boys Don't Cry, seria a sórdida e psicoterapêutica adaptação da obra homónima de Chuck Palahniuk a elevar-se sobre tudo o resto. Sem obviamente ter qualquer reconhecimento ao nível de prémios ou nomeações. Claro.

A esse “aparecimento” segue-se uma carreira sólida, bem delineada, a tocar em vários géneros, mas em última instância com um regresso quase sempre natural ao thriller. Zodiac (2007), um policial negro e cerebral, e The Social Network (2010), provavelmente o melhor “filme empresarial” pós-Wall Street, são as grandes obras fincherianas dos últimos anos.

Embora nada chegasse a Fight Club. É e será a sua obra-prima. Intocável. Como li algures, "Fight Club is shaping up to be the most contentious mainstream Hollywood meditation on violence since Stanley Kubrick's A Clockwork Orange."

David Fincher teve algum impacto no cinema norte-americano das duas últimas décadas. Diria até muito para quem gosta dele como eu.

Pulsante mas coeso, inovador e sempre estimulante, o tipo introvertido de Denver que veio da direcção de vídeos musicais (chegou a vencer Grammys e MTV Videos com Stones e Timberlakes) acabaria por tornar-se naturalmente num dos nomes principais do “novo cinema americano”, do qual fazem parte cabeças tão distintas como P. T. Anderson, Darren Aronofsky, Spike Jonze ou Wes Anderson.

Godzilla (2014)

Realizador: Gareth Edwards

Argumento: Max Borenstein (guião), Dave Callaham (história)

Actores: Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Bryan Cranston, Ken Watanabe, David Strathairn, Sally Hawkins

O Trailer era muito bom... Uma abordagem aparentemente mais "dark" do famoso monstro, uma comparação imediata aos negros acrescentados ao Batman, ao Superman, ao próprio Spiderman... Uma abordagem ao Monstro quase invisível em modo Alien... E de facto é isto tudo... Durante 40min... um terço do Filme é pouco para se tornar sequer um Filme interessante. Fui ao engano! 

Começa bem, clichés fora e a coisa faz-se. A queda do Filme coincide com o desaparecimento do melhor actor... A partir daí é "parrada" da grossa quase até ao fim... Acho mesmo que podiam ter evitado cair nessa tentação. A história agradável da Natureza se equilibrar com estes seres, a história de haver uma batalha paralela à que temos com os monstros, tudo isso é de facto interessante, mas a tentação falou mais alto e embora os cenários apocalípticos sejam uma paixão minha, estes não tiveram o desenvolvimento mais arriscado mas sim o mais óbvio. 

O actor principal tem a mesma expressão quando morre um familiar, quando compra uma peça de fruta ou quando salva a humanidade... Os actores secundários têm qualidade mas o Watanabe parece estar constantemente com vontade de ir ao WC... E eu gosto dele! 

A mensagem da arrogância do ser-humano é boa, os métodos mais avançados terem pouca utilidade também, o regresso ao analógico também... O filme até tem detalhes interessantes e como já referi, um início prometedor... Mas depois o chip-mainstream-boxoffice é enfiado à força e estraga tudo. 

No final só falta cantar "O Godzilla é nosso amigo! Vamos fazer amigos entre os animais..." 

Golpes Altos: O Trailer, os primeiros 40min, a história paralela aos Humanos, as criaturas.

Golpes Baixos: Cair no erro de fazer mais do mesmo depois de nos alimentarem com um bom suspense ao início. 

Wadjda

Realizadora: Haifaa Al-Mansour
Argumento: Haifaa Al-Mansour
Actores:  Waad Mohammed, Reem Abdullah, Abdullrahman Al Gohani, Ahd, Sultan Al Assaf

Como podem perceber pelos nomes, é um filme Árabe Realizado por aquela que é a 1ª Realizadora na Arábia Saudita. Isto explica o Filme que é uma enorme chamada de atenção para o mundo, um grito que ouvimos falar, um grito que sabemos discutir por alto entre amigos, mas também um grito que não conhecemos nem sonhamos o que é ter a necessidade de o lançar bem alto. 

Wadjda é uma miúda que cresce sob a influência "pecaminosa" do mundo ocidental, algo que lhe transforma a forma de ser, a forma de estar, o ser carácter forte e determinado e que, obviamente, lhe traz problemas numa das sociedade mais conservadoras de sempre, que trata as mulheres como personagens secundárias num universo de Homens. 

Uma criança que ainda não sabe o que é ser mulher, percebe desde cedo que vai andar tapada a vida toda com burka para não "seduzir" os homens só por eles lhe verem o cabelo, que tem de falar e rir quase sem som para os homens não a ouvir falar mais alto que eles, que tem amigas também elas crianças a casar com adultos num casamento "arranjado", que não deve trabalhar junto de homens, que não pode estar num local a ser vista por homens se não estiver tapada, que não pode brincar com rapazes, que não pode levar música para a escola que não pode ter outra cor nos sapatos que não preto, que não poderá tocar no Corão com as mãos se estiver com o período, que não pode sequer andar de bicicleta por ser uma "coisa de rapazes". 

A bicicleta no filme é um grito de revolta, um símbolo libertino, um sonho aparentemente inatingível porque a sociedade nunca a deixará fazer parte desse universo, um chamamento à razão de todos os que pensam o contrário. Ela reage a esse impulso com uma determinação universal, algo pouco aceite na sua sociedade.

Um Filme muito bonito e ao mesmo tempo extremamente violento que deixa a nu as cicatrizes que o fanatismo religioso nos deixa por todo o lado... Ninguém pode ter o destino traçado à nascença por razão alguma. 

Para todas as Wadjdas deste mundo, para que todas saiam das burkas, brinquem com quem querem e possam sentir aquele vento na cara quando pedalamos sem querer saber de mais nada. A sua história ainda está por contar e esperemos que este Filme tenha essa função, que seja a cara da mudança. 


Pontos Altos: A exposição de uma sociedade que não faz sentido existir, a menina Waad Mohammed, as mulheres bonitas que aparecem no Filme e que nunca as veríamos se visitámos o seu país. 

Pontos Baixos: Nada a assinalar... 

Dabba – A Lancheira

Realização: Ritesh Batra
Argumento: Ritesh Batra

Elenco: Irrfan Khan, Nimrat Kaur, Nawazuddin Siddiqui, Shruti Bapna, Bharati Achrekar

Índia dos nossos dias. Mumbai e a sua dicotomia perturbante entre o tradicionalismo ancestral e o desconcerto da modernidade.

Saajan é um contabilista de meia-idade, que vai fechando detalhes numa repartição estatal onde trabalha há décadas, dias antes da reforma antecipada. Viúvo e solitário, vive um dia de cada vez. Um após o outro. Todos iguais entre si. Meticuloso, eficiente e respeitado pelos pares, mas sisudo, pouco sociável, amargurado.

Noutra parte da cidade Ila é uma dona de casa de 30 e poucos anos, com mãos abençoadas para a cozinha, e que tenta recuperar o seu casamento reconquistando o marido “pelo estômago”, preparando-lhe diariamente almoços carregados de aroma e carinho. Guiada pela tia que mora no andar de cima e que actua como uma espécie de conselheira gastronómica e sentimental.

Certo dia, e devido a um raríssimo extravio no complexo sistema de entrega de dabbas, a lancheira de Ila vai parar às mãos (e à boca) de Saajan. Este, estupefacto, prova. Adora. E devolve a lancheira vazia.

A partir daqui começa uma troca de confidências entre ambos, através de cartas que remetem pela lancheira diariamente. Dá-se um descobrimento mútuo. Melhor, um renascimento: o de Saajan, apoiado no que vai sentindo por Ila e pela lufada de ar fresco que o seu substituto e formando Shaikh lhe traz – um pateta tagarela de bom coração e pouca cabeça; e o de Ila, convencida que tem de tomar outro caminho e afastar-se dum marido que a ignora e trai.

Dabba, a primeira longa-metragem de Ritesh Batra, é um filme simples e terno sobre segundas oportunidades. Sobre o não nos resignarmos à sorte, aos caprichos do destino. Sobre sabermos (ou finalmente conseguirmos) enfrentar os nossos desgostos, as nossas perdas, as nossas derrotas.

Khan e a bela Kaur estão muito bem, Siddiqui é delicioso de princípio a fim e a voz da Nanny fica-nos na cabeça bem depois de sairmos da sala. E o desfecho, despido de todos os clichés, é perfeito.

Golpes Altos: A simpatia e a beleza da história. A simplicidade da realização, que permite que tudo flua naturalmente, sem tiques. O desfecho.

Golpes Baixos: Nada de relevante. Poderia pedir-se mais ambição, mais arrojo. Mas para quê, quando não era essa a intenção do realizador?

Captain America: The Winter Soldier

Realização: Anthony Russo e Joe Russo

Argumento: Christopher Markus e Stephen McFeely

Elenco: Chris Evans, Samuel L. Jackson, Scarlett Johansson, Robert Redford, Sebastian Stan, Anthony Mackie

Ponto prévio inicial: não vi o primeiro Captain America, de 2011, pelo que não posso entrar em análise comparativa ou até de sucessão.

Novo ponto prévio: a saga de Captain America não é uma comic que conheça por aí além ou nutra grande simpatia, assim como a S.H.I.E.L.D. e o desinteressante Nick Fury.

Dito isto, e falando do “filme pelo filme”, a verdade é que tem pontos fortes e pontos fracos mas no cômputo geral acabei por gostar. Entretém, não é maçador e os irmãos Russo conseguem durante mais de duas horas gerir algo que se tem revelado complicado em filmes mais recentes inspirados em comics: as expectativas, a soberba e o preciosismo.

Ou seja, limitam-se a contar a história duma forma enérgica, divertida, intensa, mas aguentando-se bem na linha ténue entre alguma infantilidade aparvalhada – que evitam, gerindo bem as expectativas dos fãs mais incondicionais –, tiros, explosões e orgias de acção desproporcionadas – que também evitam, não vacilando perante uma certa soberba cataclísmica como acontece, recordo-me, nos falhados Hulk's da década anterior –, e a resistência a um preciosismo de mensagem profunda, dum significado paralelo entre o divino e o metafísico, que depois não passa de argamassa balofa (vide o Man of Steel do ano passado…calma, Duarte!).

Este filme tem uma história e quem o fez prestou-se a contá-la da melhor forma que pôde e soube. Ponto. É só isso. Por vezes é positivo que seja só isso. Não o torna genial, nem sequer muito bom, mas também evita que seja opaco, vazio e pseudo-brilhante.

Se tem algo menos bom? Claro. A personagem do Falcon tem pouca graça, alguns diálogos entre o Captain America e a Black Widow são fracos e sem química, alguns mauzões têm um ar só estúpido e o Chris Evans, apesar de parecer uma escultura, é meio goofy, sim. Mas não é menos verdade que o Steve Rogers é um tipo cheio de princípios éticos e morais, que pauta o seu comportamento pela rigidez do que é certo e errado, pela defesa dos fracos e oprimidos, bla, bla, bla.

Isto é, não podemos querer o estilo dum Bale ou dum Downey Jr. num super-herói que não tem essa história, não tem esses contornos, não têm essa mística. Ainda assim admita-se que não sendo adorável, Evans também não faz a tristíssima figura do Henry Cavill nessa pérola que é o já referido Man of Steel, fazendo um paralelismo entre super-heróis meio amorfos, com pouco nervo e ironia (caaalmaa, Duarte!).

Por outro lado a trama é engraçada, bem montada e com uma interligação que começa a fluir duma forma escorrida e no momento exacto – o ressurgimento de Zola (um demente Toby Jones!) e da HYDRA, a identidade do Winter Soldier, o verdadeiro Alexander Pierce (óptimo Redford!) –, como disse anteriormente as cenas de acção são relativamente contidas dentro do género e nada confusas, os vilões são excelentes, tanto os actores como a história de cada personagem, e a Scarlett, ruiva e naquele fato, é uma escandaleira.

Golpes Altos: A humildade de querer filmar uma película de super-heróis sem pretensiosismos de algibeira. Os vilões, sobretudo a cena do aparecimento de Zola na cave. A pinta do Winter Soldier. Já disse que a Scarlett está incrível?

Golpes Baixos: Alguns diálogos e piadas demasiado básicos. O ar de panhonha e o tronco do Chris Evans andam par a par. Samuel L. Jackson, se estás a ouvir-me: foste grande mas já chega. Dá-nos uma pausa.

Noah

Realizador: Darren Aronofsky
Argumento: Darren Aronofsky, Ari Handel
Actores: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Anthony Hopkins, Ray Winstone, Emma Watson, Logan Lerman, Douglas Booth

Nota prévia: é um crime ser o 1º filme do Aronofsky que é falado neste espaço. É criminoso porque além de ser claramente o pior, ele tem no CV uma panóplia de obras marcantes que fazem dele um dos melhores Realizadores "novos", e que me fazem ir ver um Filme como este.

Noah é um filme com momentos interessantes onde o autor decide cruzar pólos opostos como o criacionismo e o darwinismo. Isto por si só podia ser conteúdo para alimentar um Filme, mas na verdade não é. Noah conta a nossa história misturada com a que ainda é leccionada nalguns estados dos EUA, uma história baseada na natural evolução das espécies com um "criador" por trás de tudo.

Sem dúvida uma abordagem arriscada que deve ter criado algum burburinho naquelas bandas, mas que não é de todo suficiente para tornar este Filme em algo mais.

Todos conhecemos a arca, a água, os animais, o Noé e tudo e tudo... Com um bocado de pimenta aqui e sal ali, conta-se a história e coloca-se em causa a presença do homem na Terra com uma visão introspectiva, algo em que já pensámos várias vezes e que sabemos não poder ser o caminho "natural".

O Homem que corrompe o planeta, que suga os recursos, que tal como um vírus esgota o que o rodeia até que nada lhe resta... Resultado? O castigo... Castigo H2O que cria quase um micro-cosmos onde a família de Noé representa de tudo um pouco... Desde a devoção ao criador, a vingança, o amor, o risco da repetição do pecado, a ambição, a revolta, tudo... Tudo no meio de animais adormecidos que passam ao lado da história, porque ela baseia-se na culpa do ser-humano, culpa à qual os animais são totalmente alheios.

Interpretações cuidadas e "profissionais", a maioria vinda de actores de qualidade inegável e lá no meio um jovem Douglas Booth que embora muito giro é um pesadelo. Está longe de todos os outros mesmo os do seu campeonato.

O Aronofsky sabe filmar como poucos e sabe usar efeitos especiais sem os colocar no epicentro do filme, nisso não falha e o épico tem todos os habituais ingredientes de um filme "grande".


Golpes Altos: Qualidade técnica, provocação do criacionismo.

Golpes Baixos: Pouca ambição, pouca surpresa e algum desperdício de talento do mais alto nível.

Le Week-End

Realizador: Roger Michell
Argumento: Hanif Kureishi
Actores: Lindsay Duncan, Jim Broadbent, Jeff Goldblum 

Imaginem que pegavam no Before Midnight e o transpunham para 30 anos mais tarde. Penso que o resultado havia de andar perto do que vemos neste Fim-de-Semana em Paris.

Um Filme sobre o futuro da vida real, uma história que mexe com todos os nossos medos do que possa vir aí, do que é o amadurecimento de uma relação, do que é o desgaste, do que são belos momentos em miradouros e horríveis discussões envolvidas em nada, apenas e só para magoar o outro.

Um casal de 3ª idade repete a sua lua de mel mas apenas geograficamente. Fazem uma mala cheia de problemas "lá de casa" e embarcam numa terapia pessoal que tem tudo para correr mal. Entre encontros e desencontros, zangas, paixões, desespero e até algum humor, vão-se reencontrando um no outro, na vida um do outro e na forma como pretendem ver o seu futuro.

A mulher é ácida, bruta e tem a corda da relação na mão, o homem é meigo, sarcástico e também um pouco soturno, ora não fosse um bom escritor alguém com cicatrizes nas palavras.
Uma relação com pitadas de charme e zonas extremamente escuras, momentos que nos deixam sem ar. Tudo é colocado em causa e não interessa a idade e a comodidade, aqui interessa o que ainda há para viver e como o queremos fazer.

Um filme que resume alguns problemas de fundo de uma relação, visto pelos olhos de um casal que certamente já vimos por aí, na nossa família ou entre amigos.
Um casal que se pudesse escolher, simplesmente dançava espantando os males que o rodeia.


Golpes Altos: Enormes interpretações, diálogos fantásticos e o discurso do personagem interpretado pelo Broadbent à mesa no jantar de amigos (já disse que ADORO boas cenas de jantares?).

Golpes Baixos: Nenhum que consiga destacar. Talvez a escolha da cidade... é SEMPRE Paris pah...