Welcome to the Punch

Realização: Eran Creevy
Argumento: Eran Creevy
Elenco: James McAvoy e Mark Strong


'police and thieves in the streets. fighting the nation with their guns and ammunition' - The Clash


Gosto de ser surpreendido. Gosto de olhar para um cartaz de um filme e pensar "Que merda de nome... Quase tão mau como Gangster Squad..." - e depois vai-se a ver, e é sinceramente o melhor filme de acção do ano. Eu sei que o ano só começou agora, mas tenho a sensação que será difícil fazer-se melhor (dentro do género, claro).

Welcome to the Punch é o segundo projecto do britânico Eran Creevy, e conta com um forte apoio produtivo de Ridley Scott - que provavelmente lhe terá valido o excelente elenco principal. Creevy começou como assistente de realização a grandes nomes de Hollywood como Woody Allen (Scoop) e outros mais ingleses como Matthew Vaughn (Layer Cake), mas decidiu-se ficar pela pátria mãe. Fez uns videoclips e, em 2009, estreou o seu primeiro projecto independente Shifty. O filme ganhou uns BAFTAS, recebeu boas críticas, e percebeu-se o talento do futuro realizador mas, neste filme, mostrou que é possível fazer-se um bom filme num género renegado.

O filme centra-se em dois personagens, um polícia e um ladrão. Inimigos mortais, estão de lados opostos da lei. O que este filme pressupõe é que... talvez não estejam? Creevy vai lutando contra os arquétipos típicos dos filmes de acção, colocando-nos mais próximos do ladrão que do polícia. Depois, vamos dividindo o nosso carinho e compreensão pelas duas personagens, e depois por três, e quatro até que, no final, percebemos não haver inimigo palpável - o inimigo é a Nação, é o "sistema" (Dias da Cunha, 2001).

No fundo, o filme fez-me lembrar a supracitada música dos The Clash - não só pela óbvia origem britânica, mas por colocarem as duas faces da lei na mesma moeda. Depois desta reflexão barata, resta-me dizer que os personagens são óptimos, a história é simples - como se quer num policial - mas assertiva e interessante, as cenas de acção são fantásticas, os diálogos são incríveis (repito, incríveis!) e a realização... a realização é claramente o trunfo do filme.

Londres é filmada como um estranho labirinto, em tons de cinza e neon, vista de cima para nos dar uma sensação de espaço digital em que os personagens correm uns atrás dos outros de arma na mão. Epah o filme parece um jogo, mas no bom sentido! A banda-sonora é literalmente eléctrica, e acompanha o ambiente de suspense presente durante o filme todo. A noção de espaço deste realizador faz-me lembrar Antonioni - posso estar a extrapolar um pouco, mas a verdade é que Creedy alterna entre uma Londres urbana e labiríntica e uma Islândia aberta, de espaços verdes em que quase podemos cheirar as árvores no lusco-fusco da manhã.

Enfim, podem achar que ponho este filme num patamar onde não pertence mas, como disse, gosto quando um filme me surpreende e, sobretudo, gosto de bons filmes de acção. Numa entrevista recente, Creedy disse ter feito um bom filme de acção, mas que espera um dia fazer 'a fucking brilliant one'. Para mim está de parabéns, venha o próximo!


Golpes Altos: Realização, James McAvoy, Mark Strong e todo o elenco secundário (inclusivé o gajo de Walking Dead), banda-sonora.

Golpes Baixos: Uma cena especificamente que considero fraquinha, em que o polícia fala com a sua namorada acerca da sua frustração. Um melhor título, um melhor cartaz, uma melhor campanha.

Gambit

Realização: Michael Hoffman
Argumento: Ethan e Joel Cohen
Elenco: Colin Firth, Cameron Diaz e Alan Rickman

Em 1966, Ronald Neame realizou uma divertida comédia acerca de um ladrão e de uma dançarina exótica. O ladrão era Michael Cane, e a dançarina era Shirley Maclaine - e que dupla. Em 2004, os irmãos Joel e Ethan Cohen aventuraram-se num remake de uma outra antiga comédia, The Ladykillers - e como seria de esperar destes dois incríveis argumentistas, o remake superou, e muito, o original.
Passam 9 anos, e os irmãos Cohen perdem o juízo, ou o dinheiro, ou ambos.

Este remake de Gambit - o tal sucesso de 1966 - é positivamente horrendo. Colin Firth terá dito que lhe apetecia fazer uma comédia - algo levezinho. Bem, e conseguiu. Gambit é das coisas mais levezinhas que já vi na minha vida. De facto, é tão levezinho tão levezinho, que arriscaria dizer que mais valia terem estado quietinhos. Mas não. 'Não temos nada para fazer, não temos boas ideias - 'bora fazer uma porcaria qualquer.'

Então vamos lá por partes. O primeiro erro é este: mais filmes de assaltos, golpes do baú, e quadros roubados, NÃO! Não quero! Houve uma altura - por volta da década de '50 - em que todas as semanas se fazia um filme sobre assaltos. Não era fixe nessa altura... agora muito menos. Já ninguém quer rever o Caso Thomas Crown, o Golpe em Itália, o Oceans 11, 12, 13, 14 ou o caralho!

Mas sobretudo - e oiçam-me com atenção porque isto vai doer: já ninguém, ninguém! quer ver o Colin Firth. "Mas ele era tão fofinho quando fazia de Lorde do caralho naquela merda daquela adaptação duma merda qualquer da Jane Austen!" - Não, não era! Não era e não é! É um inglês chato, empertigado, desprovido de talento e que me cansa os olhos. Pronto, tenho dito.

Quanto à Cameron Diaz, contínua linda (mas nota-se o esforço... nota-se o esforço) e continua má actriz. O Alan Rickman também nunca foi bom (apesar de ser o Hans Gruber), e pronto... é isto.

Quero só deixar uma nota aos irmãos Cohen:

"Joel, Ethan... eu estava feliz com a vossa cena dos remakes de Westerns. Eu gostava dos vossos diálogos, das vossas personagens maradas. Espero que isto tenha sido um tiro ao lado, do mesmo género daquele com o Clooney e a Zeta-Jones. Vá... esforcem-se lá mais um bocadinho... E, se for para fazerem merda, escusam de levar realizadores convosco. Michael Hoffman até estava no bom caminho. Fazia filmes sobre o Tolstoi e coiso... Isto é para quê? Para nada... Não é para nada..."

Golpes de Génio - Fantastic Mr. Fox

Realização: Wes Anderson
Argumento: Wes Anderson e Noah Baumbach (baseado na obra de Roald Dahl)
Elenco: George Clooney, Meryl Streep, Bill Murray, Jason Schwartzman e Owen Wilson

Há uma fábula antiga acerca de um escorpião que quer atravessar um rio e de uma rã a quem pede ajuda. Suponho que já a tenham ouvido. A rã começa por negar, afirmando que o escorpião a vai picar. O escorpião constrói um argumento sólido e explica que, caso o faça, também ele morrerá afogado. A rã pensa um pouco, e acaba por aceitar transportá-lo para a outra margem. A meio do caminho, o escorpião pica-a e a rã, afogando-se em veneno, pergunta-lhe confusa 'Porque é que me picaste? Vamos morrer os dois...', ao que o escorpião responde num silvo triste 'Eu sei... mas é a minha natureza'.

Fantastic Mr. Fox é uma obra rara. É um filme de animação, em stop motion, maravilhosamente divertido e assustadoramente existencialista. É um filme cuja profundidade vai espreitando por entre diálogos de uma intensidade perturbadora e que aborda o tema mais trágico da natureza humana (e animal) - a sua inevitabilidade. Fox promete à sua mulher grávida que nunca mais lhe mente, nunca mais a engana, nunca mais rouba galinhas, patos, gansos ou qualquer outro tipo de ave. Promete-lhe que está pronto para assentar. Ser pai. Ser marido. Fox promete à mulher que vai deixar de ser ele mesmo.

Este é um filme sobre um animal selvagem que tenta deixar de o ser. Tenta humanizar-se, criar responsabilidades. É isso que é pedido de todos nós, certo? Que assentemos, criemos raízes, ganhemos responsabilidades e deixemos de agir por impulso, por instinto - por natureza. Os problemas de Mr Fox não serão compartilhados por toda a gente. Há vários tipos de pessoas no mundo, e nem todas têm uma natureza desviante. Essas não vão compreender a tragédia do filme, não vão aguentar as lágrimas no silêncio que se faz quando a Sra Fox lhe pergunta porque é que mentiu e ele - apercebendo-se nesse preciso momento da inevitabilidade da sua própria natureza - lhe responde: 'because I'm a wild animal'.

É difícil falar sobre um filme que aparenta ser tão divertido e simples mas está recheado de sabedoria, de tristeza e de sensibilidade. A viagem que Fox empreende vai fazê-lo aceitar-se como é, mostrar-se como é, e conhecer também a natureza dos que o rodeiam. Por baixo dos fatos de advogado, das paisagens impressionistas, dos pais de família, dos canalizadores, cozinheiros, professores... estão animais selvagens. Animais selvagens que, em último caso, podem contar apenas com o seu instinto para fazerem o que os animais selvagens acima de tudo fazem - sobreviver. E Mr. Fox lembra-os disso. Lembra-os que o seu nome em latim os remete para um estado mais primitivo da evolução. Lembra-os de quem são.

E, ultimamente, é apenas quando aceitamos quem somos - as nossas forças e as nossas fraquezas, o que somos e o que gostaríamos de ser - que perdemos o medo e começamos a ser felizes. Fox confronta a sua fobia de lobos quando, no final, tem um encontro com um. Esta é uma cena maravilhosa, intensa, de uma beleza demasiado estranha para ser explicada. Quando Fox se aceita como um animal selvagem, aceita também os outros. O rato vilão que sonhava com cidra, o lobo que fecha a mão e a levanta, como que dizendo 'somos o mesmo, eu e tu'.

Somos estranhos, todos nós. Vivemos segundo as nossas próprias excentricidades e, enquanto uns limitam a sua natureza para que possam viver em sociedade, outros abraçam-na e confiam que, um dia, a sorte vai permitir-lhes serem felizes com as armas que têm. Este filme lembra-nos que é pela nossa estranha natureza que somos quote/unquote... fantásticos.


Golpes Altos: Wes Anderson.

Golpes Baixos: Pior cartaz, pior campanha de marketing de sempre. Mascaram uma obra-prima do cinema de um filme para a família. 

Golpes Indie - Before Sunrise / Before Sunset

Realização: Richard Linklater
Argumento: Richard Linklater
Elenco: Ethan Hawke e Julie Delpy


No primeiro filme, ele senta-se numa ponte em Vienna. Ela encosta a cabeça ao seu colo enquanto ele, jovem apaixonado, lhe recita um poema de W. H. Auden - 'But all the clocks in the city / Began to whirr and chime: / Oh let not time deceive you, / You cannot conquer time'. E esta é a triste e sinistra verdade desta obra. Não há nada mais derradeiro que o tempo. O tempo é inimigo da juventude, é inimigo do amor. Passamos a vida toda a lutar contra ele, tentando conquistá-lo. Não sei se Jesse ou Celine tiveram alguma vez noção, enquanto personagens, da importância que o tempo teria na sua vida cinematográfica.

Before Sunrise e Before Sunset são dois filmes sobre tempo. O tempo que dois amantes têm para se conhecerem, para se apaixonarem e para se despedirem. São só umas horas, mas é suficiente. Jesse e Celine conhecem-se em Vienna, apaixonam-se, encontram um no outro as idiossincrasias comuns de adolescentes incomuns, fazem promessas difíceis de cumprir, deixam uma porta aberta que só um destino muito benevolente poderia fechar.

Passam 9 anos. Já não são adolescentes. Nunca mais se encontraram. As suas caras carregam as marcas de desilusão comuns aos 30 anos - ambos foram amados, magoados e abandonados. Se cresceram ou não em sentidos opostos, não interessa. Mas, quando voltam a encontrar-se por acaso, a conversa é diferente - e a cidade também. O crepúsculo romântico de Vienna dissolve-se, é trocado pela fria realidade da tarde Parisiense. As luzes são mais claras, as ruas estão mais cheias. Desta vez, Jesse e Celine são obrigados a confrontarem-se com a realidade. Mas, se os seus diálogos perderam algum romantismo, a sua relação torna-se agora mais concreta, mais palpável. O amor permanece platónico, o tempo contínua a fugir-lhes, as vidas de cada um parecem impedi-los de permanecer neste limbo dos amantes.

Isto é o que me diz o meu eu romântico, o meu eu adolescente que ainda me grita ao ouvido coisas horríveis a meio do dia. Mas o meu eu adulto vê as coisas de forma diferente. Vê mais esperança no segundo filme que no primeiro. Ambos acabam em aberto, não nos deixando saber o que vai acontecer com o casal mas, enquanto no primeiro as promessas são feitas em forma de sonho, de paixão; no segundo o silêncio fala por si, mais maturo, mais verdadeiro. Por vezes, quando se cresce, percebe-se a necessidade de se estar calado, percebe-se a importância de não se fazer promessas. Quando crescemos, aprendemos a não nos deixarmos enganar pelo amor ou pelo tempo e podemo-nos encostar e sorrir, sabendo a impossibilidade de os manter ou conquistar.

Richard Linklater começou este projecto quando se dava o boom do cinema independente dos anos '90. Manteve-se fiel ao seu estilo e ao objectivo da sequela. Agora, 18 anos mais tarde, Linklater volta a pegar num projecto que ainda tinha uma última palavra. Estreia este ano Before Midnight. Esperemos que Jesse e Celine tenham crescido tão bem como gostariamos ou que, pelo menos, não estejam pior do que quando começaram.


Golpes Altos: Um filme de adolescentes que passa para um filme de jovens e que, dentro de pouco tempo, acabará num filme de adultos. Faz-nos perceber que a beleza da solidão é a perspectiva de a terminar.

Golpes Baixos: Haviam 1000 mulheres mais interessantes que a Julie Delpy... 1000!

Guilty Pleasures - Con Air (Fortaleza Voadora)

Realização: Simon West
Argumento: Scott Rosenberg
Elenco: O melhor de sempre a seguir ao Armageddon!

Há filmes bons, filmes muita bons, filmes que não mudo de canal se estiverem a dar, e há o Con Air. Objectivamente, Con Air é um Golpe de Génio. Tem um argumento sólido (dentro do género), um elenco de luxo, grandes personagens, cenas de acção maravilhosamente filmadas e... ah! espera... temos o problemazinho dos diálogos. Ok, objectivamente Con Air não é um Golpe de Génio. Mas é um dos meus filmes de acção preferidos.

Nicky Cage é Cameron Poe - uma arma humana tão mortífera que, mesmo quando dois bandidos tentam violar-lhe a mulher e esfaqueá-lo, acaba por ser enviado para uma prisão de alta segurança sob o argumento de que "Epah Nicky, tu és TÃO forte a dar pancada, que 'tás proibido de o fazer. Por isso, a próxima vez que alguém te tentar comer a mulher e esfaquear, põe-te masé quieto!". Eu percebo, e acho que também deviam proibir o Nicky de usar cabelo comprido. Só porque não está certo alguém ter TANTO estilo!

E assim, o Governo dos Estados Unidos comete o maior erro desde o Vietname, e larga Nicky Cage num avião de alta-segurança, destinado a transportar os maiores, mais rijos, mais feios criminosos do mundo - e o Steve Buscemi - para outra prisão de alta-segurança. E quem é que está lá dentro? John Malkovich, Ving Rhames, Danny Trejo, Dave Chappelle (han?), um gajo chamado "Coisa do Pântano", um travesti espanhol, Steve Buscemi e um pobre desgraçado que ameaça o coelho de peluche do Nicky Cage... BIG MISTAKE!

E, como se o elenco não estivesse já incrível, ainda acrescentamos John Cusack como "toninho adjuvante" e uma gaja muita gira como mulher fiel que ia sendo violada mas depois esperou anos pelo regresso do seu marido. Meu Deus, estou sem fôlego. Que filme!!!

E só para terminar em grande, digo-vos que o senhor responsável pelo argumento do filme, Scott Rosenberg, é um prestigiado argumentista de Hollywood, que transformou em guião o livro High Fidelity do Nick Hornby, escreveu a minha comédia romântica preferida de sempre - Beautiful Girls - e ainda um clássico dos teen-movies dos anos '90 Disturbing Behavior. Por isso, e por todos os motivos evocados em cima, e por mais alguns que agora me escapam, Con Air é um Guilty Pleasure assumidíssimo e domingueiro. E como hoje é domingo de Páscoa, não resisti ao pior trocadilho de sempre: 'put the chocolate bunny back in the box'. Desculpem.


Golpes Altos: Elenco de luxo, cenas de acção, elenco de luxo, cenas de acção...

Golpes Baixos: Nicky... há um certo ponto na vida de um homem, em que o cabelo já não é suficiente para se usar comprido... 'Ah, mas o Santana Lopes também usa!' Eu sei... Mas o Santana Lopes não é exemplo para ninguém... em nada... muito menos em estilo. Danny Trejo, tu... podes usar o cabelo como quiseres... não tenho nada a ver com isso.

Promised Land

Realização: Gus Van Sant
Argumento: Matt Damon e John Krasinski
Elenco: Matt Damon, John Krasinki, Frances McDormand e Rosemarie DeWitt


É o meu tipo de filme. Enche-me as medidas. É um filme sobre boa gente, de boas terras, com bons valores, que não cai em estereótipos, não se deixa levar por idealismos e conta uma história que tem que ser contada - da melhor forma possível.

Não sou um ambientalista. Não sou de esquerda, não sou pacifista, não sou vegan nem sou activista pelos direitos sociais, das mulheres ou das minorias. De facto, aprendi com o tempo que me insiro naquela desprezível categoria de pessoas que tende a afastar qualquer valor que colida com o seu próprio bem-estar. Dificilmente sinto pena de alguém e parto de um simples princípio que "se a maioria concorda, é porque provavelmente é mentira". Sou um cínico, muito prazer. Não é nada de que me orgulhe, mas também não é motivo para grandes introspecções. "I'm not a bad man", diz o personagem principal do filme, repetidamente, para si próprio e para os que o rodeiam. E de facto não é. Porque não existem más pessoas neste filme, existem pessoas complexas, boas e más, dependendo do que lhes é permitido fazer com as ferramentas que têm à mão.

Em Promised Land, vimos uma abordagem esclarecedora ao tema do gás natural - da sua substituição dos diabólicos carvão e petróleo, das empresas que o implantam, das terras que destrói. Confesso que não estava dentro do tema e, quem não estiver, não se preocupe, o filme não podia ser mais esclarecedor. E a forma como este argumento brilhante vai abrindo caminho por entre um tema tão forte, sem nunca lhe dar demasiada importância, é fantástico. "We're not fighting for land, we're fighting for people" - e é esta a base do argumento: não é um filme sobre causas, é um filme sobre pessoas. E divide-se entre os dois personagens principais, um de cada lado da vedação e a razão? Essa vão vê-la por vocês mesmos.

Gus Van Sant é um excelente realizador. De facto, é um caso insólito porque é um dos meus realizadores preferidos tecnicamente, e um dos que eu mais detesto em termos de filmografia. Isto deve-se maioritariamente ao facto de ele deixar as suas escolhas sexuais virem ao de cima em grande parte dos seus argumentos, e isso é sempre limitativo. Mas neste caso, tal como em Good Will Hunting e Gerry, deixou Matt Damon (e John Krasinski) trabalhar por ele. E que parceria! E que filme! Sério, emotivo, apaixonado, verdadeiro, simples e bonito. Eu gosto das pessoas deste filme, gosto dos argumentos, gosto das vidas. Talvez um dia o cinismo desvaneça, e o mundo se mostre um lugar mais bonito para pessoas como nós. Filmes como este, sempre dão um empurrãozinho.


Golpes Altos: Matt Damon e John Krasinski. Que dupla. Produzem, escrevem e protagonizam o filme a meias. Krasinski é uma revelação. Gus Van Sant provou ser um grande profissional de cinema.

Golpes Baixos: Lamento dizer isto, mas não morro de amores por Hal Holbrook. Acho-o fora de forma como actor. Está velho de mais para aparecer num filme. Tem mau aspecto e parece que a qualquer momento pode cair pro lado e lá se vão meses de filmagens.

Seven Psychopaths

Realização: Martin McDonagh
Argumento: Martin McDonagh
Elenco: Colin Farrell, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Christopher Walken, Tom Waits e Olga Kurylenko

Bem... esta vai ser difícil, mas aqui vai: Seven Psychopaths não presta. É um daqueles filmes que funcionaria, caso tivesse sido bem feito (uma espécie de Moeda Única Europeia, versão Hollywood). Mas comecemos pelo que joga a seu favor.

O elenco de luxo já seria uma grande ajuda, caso as personagens fossem minimamente decentes. Sam Rockwell e Christopher Walken estão óptimos. Têm graça e os personagens são minimamente complexos (minimamente). Os restantes "psicopatas" mais valia não existirem. O filme poderia chamar-se Two Psychopaths e aposto que funcionaria muito melhor - pelo menos não tínhamos de dividir a atenção entre sete (mas são mesmo sete? é que às tantas nem se percebe) personagens que alguns são quase figurantes.

E depois temos o Colin Farrell... Quem no seu perfeito juízo é que decide pôr este gajo a fazer de coitadinho inseguro ou - mais grave ainda - de INTELECTUAL?! Não se via um erro de casting destes desde que decidiram que o Russel Crowe dava um bom génio da matemática!

O realizador e escritor deste filme teve uma estreia bastante boa: In Bruges é um filme que cumpre os requisitos e até os supera em algumas situações. Boas personagens, boa história e boa concretização. Em Seven Psychopaths mete os pés pelas mãos. Pessoalmente, confesso já não ter grande paciência para filmes cheios de personagens e cheios de reviravoltas, plot points, twists e "a movie within a movie kind of thing" - por isso já adivinhava a banhada que poderia sair daqui.

Martin McDonagh, não sabes que "simples é o novo complicado"? Mantém-te atento às modas, já que queres fazer um filme cool. Deixa este género para aqueles anos cinzentos em que estrearam mil filmes iguais ao Smokin' Aces! Inventa, aventura-te, surpreende-me... mas, acima de tudo, se vais pôr a Olga Kurylenko num filme, ao menos despe-a só um bocadinho!


Golpes Altos: Christopher Walken, Sam Rockwell, uma realização semi-dinâmica e... não sei... acho que mais nada.

Golpes Baixos: Argumento = Lixo; Colin Farrell a fazer de mariquinhas; Olga Kurylenko com demasiada roupa; repetição de tantos filmes iguais ou parecidos... já chega.

Golpes de Génio - La Notte

Realização: Michelangelo Antonioni
Argumento: Michelangelo Antonioni
Elenco: Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau e Monica Vitti

O dia serve de prelúdio. Giovanni e Lidia caminham em direcções opostas, numa cidade triste feita de ruas despidas e reflexos esbatidos. Antonioni filma este dia na cidade, como se esta fosse demasiado alta para o casal se encontrar e demasiado estreita para poderem respirar. Dá uma constante sensação de labirinto. Um labirinto de cimento que sufoca duas pessoas cujos melhores anos já passaram há muito.

Giovanni é um passivo, um resignado que evita olhar para Lidia, com medo que o olhar possa sugerir uma intimidade para ele perdida. Lidia é um enigma (pelo menos para mim, que sou homem). Está numa crise. Percebe a indiferença do marido e passa o filme todo a vaguear sozinha - à espera de encontrar algo. No principio, pareceu-me serem um casal em sítios diferentes da relação, mas depois percebi que não. São apenas duas pessoas diferentes no mesmo sítio - onde, nas palavras de Giovanni, já não têm ideias.. só memórias.

O dia acaba, e o casal decide ir a uma festa. É nesta festa que tudo se passa - o que interessa é a noite. E, quando a noite acaba, o filme acaba com ela. La Notte segue a tradição do cinema italiano dos anos 60/70. É um filme alegórico, mas realista. Vale pelos diálogos brilhantes, e pela abordagem seca que faz do amor e da vida. A grande diferença entre La Notte e o La Dolce Vita é que, enquanto este último fala de um homem, La Notte divide a sua atenção entre os dois elementos do casal, dando-nos oportunidade de aprender com os dois, de analisar a relação dos dois, espelhá-la na nossa própria experiência de vida, e retirar algum ensinamento.

O filme insere-se na 'Trilogia da Alienação' de Antonioni. É o segundo, precedido pelo L'Avventura e precedendo L'Eclisse. A crítica recebeu mal o filme, muito provavelmente porque o mundo ainda não estava preparado para ver este tipo de cinema. Actualmente, é uma lufada de ar fresco ver um filme com mais de 50 anos que nos parece mais contemporâneo que os do nosso tempo.

O filme não é bem-disposto, porque o tema em si é pesado e os personagens demasiado realistas. Mas segue a tradição italiana dos comic reliefs por meio dos diálogos subtis e inteligentes. E eu evito utilizar esta palavra para caracterizar filmes. "Inteligente" soa sempre a pretensioso. Mas na verdade não existe outra forma de o colocar. É um filme inteligentemente escrito, que nos leva a sentirmo-nos menos sozinhos no mundo. Afinal não estou assim tão desalinhado, non é vero Michelangelo?


Golpes Altos: As personagens, os diálogos, a realização - A REALIZAÇÃO!!! - a cinematografia, a edição, a banda sonora... oh well... ah e a cena final... que cena final!

Golpes Baixos: Errr...

Submarine

Realizador: Richard Ayoade

Argumento: Richard Ayoade

Actores: Craig Roberts, Sally Hawkins, Paddy Considine

O Richard Ayoade e o seu fantástico cabelo conquistaram-me na incrível série "The it Crowd". No entanto, desta vez ele está escondido a realizar o seu primeiro filme produzido pelo Ben Stiller. Qual o resultado desta dupla um pouco improvável? Um excelente filme...

Uma comédia-romântica que conta a história de um jovem de 15 ou 16 anos que está a passar por enormes problemas naquela que é a fase mais conturbada de um ser-humano... a adolescência... Não, não é o típico teen movie onde as gajas são boas, os gajos são giros, onde há imensa droga e discotecas fashion... onde há sexo e mais sexo, mamas e mais mamas. Aqui os jovens são normais, não são giros, não são super fashion e são bastante desajeitados.
Aqui usam farda, ela é gordinha, os Pais não são autoritários, os amigos não praticam nenhum desporto que os distinga dos outros, gostam de coisas simples, de sítios simples, não são lamechas, dizem coisas que não devem, não choram por tudo e por nada, ouvem música com K7's e filmam em Super 8.

O rapaz tem problemas em casa, fora de casa, na escola, não tem para onde se virar. Uma ode à família, às paixões, à adolescência e é inevitável identificarmo-nos com algumas "loucuras" que um jovem desta idade tem a passar-lhe pela cabeça.

Uma abordagem surpreendente dividida em capítulos, com detalhes que adorei e me agarraram desde início. É daqueles filmes que percebemos logo nos primeiros minutos que nos vais surpreender. Não há cá Fade to Black mas sim Fade to Blue ou Fade to Red, e não é que fica bem?

Os personagens parecem tirados de um filme do Wes Anderson embora mais expressivos e acima de tudo mais faladores. Adoro a construção dos 2 personagens principais, gosto que não sejam especialmente "fixes" e que tenham defeitos. Fez-me lembrar um pouco o Igby Goes Down mas com os personagens mais caricaturados colocados em situações mais cruas e mais reais, daquelas menos captadas em cinema. Isto dá obviamente uma dimensão bem maior à obra.

Aconselho a todos, é muito divertido, tem piadas óptimas que primam por não serem explicadas até à exaustão. É um filme em nada óbvio, em nada previsível e que fica, ao contrário de tantos outros, na memória.


Golpes Altos: Realização muito dinâmica e muito assertiva, nunca se torna presunçosa e consegue fugir a TODOS os clichés. A história é excelente e está, como gosto, bem contada.

Golpes Baixos: Não ter tido mais mediatismo porque merecia.

Robot & Frank

Realização: Jake Schreier
Argumento: Christopher D. Ford
Elenco: Frank Langella, Peter Sarsgaard, Liv Tyler, Susan Sarandon e James Marsden

A memória é uma coisa estranha. Usamo-la a vida toda em nosso próprio proveito, descartando-a quando não nos serve um bom propósito. É "selectiva" - ou pelo menos é o que me têm dito. Invariavelmente, começa a deteriorar-se e, no fim, abandona-nos. Se pensarmos um pouco, a nossa relação com a memória não é muito diferente de qualquer outra relação íntima.

Frank é um homem solitário, e a memória começa a falhar-lhe. "Vivi uma vida colorida", explica Frank, pintada por ocasionais roubos e ocasionais tempos na prisão. A brincadeira custou-lhe uma relação com os filhos, e com a mulher. Mas Frank não parece preocupar-se. É um daqueles homens que não aprecia pessoas, e o mesmo se aplica aos que lhe são mais próximos. Por isso, quando o filho o convence a viver com um "Robot Enfermeiro", Frank não salta de alegria.

Robot & Frank é uma belíssima obra de cinema. É um filme divertido, fácil de se ver, mas com uma carga emocional latente que nos vai apanhando de surpresa até ao último segundo. O filme trata a solidão e a velhice de ânimo leve, sem nunca ser deprimente, mas mostrando-nos o que erros do passado nos podem custar no futuro. Mas mais que tudo isso, é um filme sobre a descoberta da amizade, e os efeitos do amor. Frank esqueceu a mulher quando ela o deixou. Escolheu tornar-se indiferente aos filhos porque provavelmente o lembravam dela, e começou a definhar numa casa longe da civilização. E aqui entra o Robot.

E o engraçado no filme é que nada que Frank sinta ou pense é explicado ou verbalizado, mas subentendido. Nós interpretamos Frank, deduzimos parte do seu passado e achamos compreender o que sente. E esta subjectividade do argumento - com uma fenomenal ajuda de Frank Langella, um actor que esperou a vida toda para mostrar que é óptimo - permite-nos também identificarmo-nos mais com o filme, porque deixamos nele um bocadinho de nós. Por isso pode ser que a minha leitura seja diferente da vossa - e também por isso vou evitar entrar muito dentro da história, prefiro que vejam o filme. A mim fez-me verter uma lágrima, e fez-me pensar no que é a família, e no que é o caminho que um homem tem de percorrer sozinho - quer queira, quer não.


Golpes Altos: Argumento e interpretação de Frank Langella. Ah... o regresso de Liv Tyler é bem vindo: Liv, decididamente não sais ao pai!

Golpes Baixos: A voz de Peter Sarsgaard para o Robot - quase 50 anos depois do Kubrick, e ainda ninguém aprendeu a dar uma voz mais humana à coisa?